martes, 22 de noviembre de 2011

Andrei Molodkin - EMPIRE AT WAR

Daniel Molodkin
Andrei Molodkin es un artista conceptual que nació en Rusia en el año de 1966. De los 10 a los 14 años asistió a la Special School of Arts-Plastiques, en su ciudad natal, Boiu para luego asistir del '81 al '85 al College of Arts, Krasnoie-sur-Volga. Hizo servicio militar de 1985 a 1987 y estudió en la Facultad de Arquitectura & Diseño Interior del '87 al '92.

Molodkin ha tenido muchas exposiciones en grupo y varias donde su trabajo se exhibe por si solo, como lo son: Novo Novosibirsk, Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, Paris ('99), Novo Novosibirsk, The Marble Palace, Russian State Museum, St. Petersburg ('01), Polius, Chapelle Saint-Louis de la Salpêtrière, Orel Art Presenta Gallery, Paris ('02), Love Copyright, Kashya Hildebrand Gallery, New York ('03), Notre Patrimoine, European Parliament, Brussels ('04), Sweet crude Eternity, Kashya Hildebrand Gallery, New York ('05), Empire at War, Daneyal Mahmood Gallery, New York ('06), Sweet Crude American Dream, Daneyal Mahmood Gallery, New York ('07), Guts à la Russe, Orel Art Gallery, Paris ('08) y Andrei Molodkin: Liquid Modernity (Grid and Greed), Orel Art Gallery, London ('09).

Empire At War
Como ya se dijo, en el 2006 expuso en la Daneyal Mahmood Gallery; “Empire at War” donde se encuentra una obra dibujada con 2764 plumas de tinta azul en la que se ve representada a lo largo de sus 144x108 pulgadas una imagen de George W. Bush, hijo, con una mano extendida, leyendo la Biblia y con la leyenda “EMPIRE AT WAR”. Un juego de valor tonal y de tema que hacen de esta una pieza muy interesante para cualquier amante del arte contemporáneo.

Los precios de este artista son algo altos, con obras vendidas que oscilan entre las 10,000 y 19,000 libras. Se puede encontrar más información sobre este artista y sus obras en los siguientes enlaces:

http://daneyalmahmood.com/ArtistsPages/AndreiMolodkin.html#Oil
http://oneartworld.com/artists/A/Andrei+Molodkin.html

miércoles, 2 de noviembre de 2011

Renor - Artista impresionista

Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges, Francia el 25 de febrero de 1841 y falleció en Francia en la comuna de Giverny el 3 de diciembre de 1919 a los 78 años.

Fue un pintor francés perteneciente principalmente a la corriente impresionista y es parte del grupo selecto de los maestros que empezaron esta corriente. Trabaja en muchos paisajes, pero sus obras más reconocidas son en las que plasma la vida social y urbana.

Baile en el Moulin de la Galette (1876)
Oleo sobre lienzo - 130 x 175 cm

En sus primeros años vivió en barrios del proletariado pintando porcelana y abanicos como mera decoración. Más tarde, en talleres de los cuales él era participe, conoce a Monet, Bazille y Sisley, y fue así como empezó a pintar cuadros que reflejaban más lo que él era. Fue participe de la primera exposición impresionista en los estudios de Nadar. Sin duda el no fue el iniciador de este movimiento, pero aporto mucho a la técnica y la filosofía de este.

Más tarde y tras varias exposiciones, en 1878 se alejo de la corriente impresionista, marchandose a Italia, para encontrar un nicho en los salones oficiales y por este medio tratar de encontrar el camino a una pintura un poco más escolar, figuras orgánicas, pero con sentido propio.

En 1886 tiene grande éxito en una exposición en Nueva York y a partir de este momento los éxitos no dejan de suceder; convirtiendolo en un artista muy influyente en su época, influencia que se ha extendido hasta nuestros días

Después de esta nueva búsqueda, une esta escolaridad con el impresionismo. Esto nos dice que Renoir no fue alguien que se conformara con las tendencias o modas de la época; siempre buscando lo que a el le complaciera y lo que hablara mejor de lo que quería expresar.

Tras la muerte de su esposa, el sigue pintando en su hogar sin importarle la artritis o todos los problemas que la edad le causaban, la pintura hasta el último de sus días fue su compañera; él nunca dejo que esta lo abandonara.


La pintura que vemos arriba es Baile en el Moulin de la Galette (1876), donde se ve representada el salón de baile que llevaba este nombre. Ubicado en la cima de la colina Montmatre, era un lugar cubierto por un cobertizo, donde tocaba una orquesta mientras que en el jardín, estudiantes, obreros y artistas se reunían a bailar en sus dias libres. Renoir juega con el contraste de sus alegres colores, y logra un gran equilibrio en su obra, tanto en figuras como tonalidades.


En este cuadro encuentro un bello contraste de luz, donde podemos ver pequeñas manchas en la gente tanto de luz como de sombra, esto se crea por medio del árbol que los cubre. Es una escena del mundo cotidiano, donde no se idealiza nada, es tal y como vemos a el mundo. El detalle no es preciso y deja que nosotros completemos las figuras bajo la naturaleza de la técnica impresionista. Hay perspectiva pero no hay un punto de fuga. Nada esta delineado, todo es creado bajo la impresión de la luz.


Bibliografía:


http://pintoresfamosos.juegofanatico.cl/renoir.htm


http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/renoir.htm


http://es.wikipedia.org/wiki/Baile_en_el_Moulin_de_la_Galette

lunes, 10 de octubre de 2011

Los murales de Bonampak



En Guatemala, durante el año de 1937 un mural fue encontrado; lo llamaron Uaxacatún y este era el único que se preservaba del periodo clásico temprano de la cultura maya y esto hubiera seguido así, si unos bandalos del lugar no lo hubieran destruido a base de golpes y hachazos. Ciertamente lo que dejo este descubrimiento fue el anhelo en los arqueólogos de encontrar mas ejemplares del mismo periodo y de la misma sociedad.

Fue hasta 1946, en la selva lacandona, cuando un maya sirvió de guia para Gilles Grevilly Haley; fotógrafo y cineasta estadounidense. Él fue llevado hasta unas antiguas ruinas mayas, y no solo eso; sino que también se le permitió su acceso al cuarto uno de la estructura uno; este lugar es lo que hoy conocemos como Bonampak, y en este cuarto se encontraban parte de sus murales.
Escena ilustrada en una sección de los murales.

Con este descubrimiento se origino la llamada “Bonampakis”, todos querían hablar de ello; pero no solo eso, sino que también querían formar parte en este rompecabezas que cambiaría todos los ideales que se habían formado al rededor de la cultura maya; y es que debemos entender que antes de los murales de Bonampak, se carecía de un esquema general para entender los murales mayas, por lo que no se entendía por completo esta civilización.

Estos murales se mantuvieron a lo largo del tiempo gracias a un error en la estructura de la construcción, lo que origino la entrada de agua a estos cuartos. Las sales de este elemento, que se impregnaron sobre la pared, fue lo que impidió que la pintura se cayera o maltratara. Este acontecimiento significo una gran ayuda a su mantenimiento, pero por otro lado, las sales dejaron una capa la cual impedía ver los murales por completo; fue ahí cuando los científicos de INAH, comenzaron un proceso de limpieza y reconstrucción en 1984; esto les tomo 3 años. El grupo de National Geographic, impresionados tanto por el descubrimiento, como por lo que estaba haciendo el INAH, se incluyeron al proceso, pero ellos con la tarea de retocar las imágenes de manera digital, para que así, todo el mundo pudiera contemplar aquel hallazgo.

Estos murales cuentan una historia en la que se representa una batalla y el sacrificio de los vencidos. El gobernante Chaan Muan celebró la victoria contra un reino vencido en 786 d.C. Y el nombramiento de su hijo (según escribe Luis Gonzáles y Gonzáles en su libro Viaje por la historia de México; ya que en la revista Arqueología Mexicana habla de que este niño pudo haber sido su sobrino) al trono. Estos murales muestran también, que las mujeres no solo se dedicaban a la recolecta y a los hijos; sino que también participaban en el gobierno de Bonampak. Antes del descubrimiento de estos murales se pensaba que los mayas eran una sociedad pacifica que se dedicaba a observar los astros y calcular el paso del tiempo; hoy sabemos que no es así. Estaban en constante conflicto con sus vecinos.

Los murales de Bonampak son los más grandes y más importantes del mundo maya; al menos de los que se tiene conocimiento.

Bibliografía:

Arqueología mexicana. Vol. III, No. 16. Noviembre – Diciembre, 1995.

Gonzáles y Gonzáles, Luis. Viaje por la historia de México. Editorial Clío, Libros y Videos, Quinta Edición. México, 2009.

Acerca de Leonora Carrington

Leonora Carrington nace en Lanchashire, Inglaterra, el 6 de abril de 1917; en el nicho de una familia acomodada. En su infancia es expulsada de dos escuelas inglesas tradicionalistas con la excusa de que ella era una niña ineducable.

En 1936, y en contra de los deseos de su familia, se muda a Londres donde estudia pintura. En sus primeros años en dicha ciudad, vive en condiciones bajas, con solo lo necesario para vivir. Lo que la mantiene entusiasta es el alcance que tiene con el arte y los espectáculos; con la cultura en general, algo a lo que no estaba acostumbrada. Dentro de este huracán de eventos, asistió, el 11 de junio de 1936 a una exposición organizada en parte por Ronald Penrose; el dicho responsable del surrealismo ingles. Dicha exposición fue en las New Burlington Galleries; exposición que hoy conocemos como la primera exposición internacional de surrealismo, y en donde Leonora confiesa su inmediata afinidad con el mundo y la pintura surrealista.

En sus años como estudiante, su maestro fue Amedeé Ozenfant, y aparte de pintura estudió cultismo, alquimia y astrología. En 1937 conoce a Max Ernest y mas tarde se muda a Francia con él, quien, en ese país es recluido en los campos de concentración por ser considerado enemigo del estado, y ante el miedo de una ocupación nazi, Leonora huye a España donde sufre un colapso mental. Es ahí donde escribe Abajo, en 1940.

Pasando un tiempo, conoce y se casa con Renato Leduc. Los dos se mudan a NY en 1941, donde nuevamente se integra de la actividad surrealista, de la cual se había visto privada por un largo tiempo.

En 1942 viaja a México y se instala, así como se divorcia de Leduc. Sus amigos mas cercanos se vuelven Remedios Varo y Benjamin Péret, quienes eran pareja en ese entonces. Se encuentra tanto con éste país que se nacionaliza mexicana. Pasa un tiempo y conoce y se casa con Emerico Weiz en 1946; de esta relación nacen sus dos hijos, Gabriel y Pablo. Pinta El mundo mágico de los mayas para el museo nacional de antropología, una de sus principales obras. Entre trabajo y relaciones, divide su tiempo tanto en Estados Unidos como en México.


El mundo mágico de los mayas, 1965-1966
Leonora Carrington


Gana el premio Nacional de Bellas Artes, y muere en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011 a los 94 años.

La pintura de Leonora Carrington es de estilo surrealista, donde los protagonistas entablan relaciones de manera mas habitual con animales, personajes híbridos de la naturaleza, entiendase por esto, criaturas compuestas por dos o mas elementos característicos de bestias existentes, que con hombres y mujeres. Sus obras se ven pobladas de una gran diversidad en dichos animales; éstos domésticos o salvajes. Se establece una vinculación especial con el caballo, ya que de chica ella era devota y practicante de la equitación. La razón de que las pinturas de Leonora tuvieran esta característica y este imaginario, es que cuando ella era chica su nana le contaba cuentos, por los cuales empezó a imaginar estos mundos, criaturas e historias.


Para la inauguración del Museo Nacional de Antropología en 1964, Rufino Tamayo, Leonora Carrington, Pablo O’Higgins, Nicolás Moreno, entre otros, se encargaron de decorar sus salas con obras representantes a diferentes civilizaciones mexicanas y fue ahí cuando Carrington, realiza El mundo mágico de los mayas. Para la realización de este proyecto, Leonora decidió mudarse una temporada a Chiapas para impregnarse de el mundo de los indígenas. No se le permitió usar cámara fotográfica, por lo que empieza a guardar las memorias de sus vivencias por medio de dibujos.

En la parte central del mural, se encuentra una iglesia que representa el corazón de la región y donde muchos de sus habitantes se alojaban.

La pintura esta dividida en tres niveles, que representan los reinos del mundo maya; estos son el inframundo, la tierra y el cielo. En el nivel inferior, reino de Xibalbá, aparece el Dios Jaguar que con un solo ojo vigila el inframundo. También en este nivel podemos encontrar criaturas como cuervos, una serpiente-tigre y los denominados monos gemelos, los cuales hacen referencia a una leyenda del Popol Vuh.

La Ceiba, el árbol que se encuentra a la derecha representa la unión de los tres niveles; ya que tiene sus raíces en el infierno, pero también desde la tierra sostiene el cielo. A su vez aparecen pinos, que como el maíz, es una planta sagrada para los mayas. La cruz que vemos atrás de la iglesia no hace referencia a la que conocemos hoy en día, sino que este símbolo también era de importancia en la cultura maya, en un sentido funerario, ya que su significado esta relacionado con la concepción cuadripartida del mundo que los mayas tenían.

La cabaña que se encuentra al lado de la ceiba, y la cual es iluminada por Venus, hace referencia a una curación chamánica. Al inicio del arcoiris surgen tres figuras femeninas con pecho de mujer, pero cuerpo de pájaro; en estas se reconoce a una divinidad del mundo maya, la diosa Ixchel o también llamada, Señora del Arcoiris. En la obra se representa la fertilidad por medio de la Luna, la fuerza y el calor por medio del Sol, y a Quetzalcoatl, el Dios de la serpiente emplumada, por medio de Venus. Dicha serpiente, también la encontramos emprendiendo el vuelo en el centro de la obra.

Encontramos a su vez a hombres y mujeres en sus tareas diarias. Cultivando, arreando ovejas, cosechando maíz, tomando pulque, entre otras actividades.

Bibliografía:

Del Conde, Teresa. Arte y psique. Plaza Janes. España, 2002.

Andrade, Lourdes. Leonora Carrington. Historia en dos tiempos. Consejo Nacional Para la Cultura y las Artes. México, 1998.

JCP. (La Razón © Todos los derechos reservados 2010). ¿Quién fue Leonora Carrington?. Recuperado el 9 de octubre del 2011, de http://www.razon.com.mx/spip.php?article77992


Ingarao, Giulia. Lasobras murales de Leonora Carrington. La vigilante del laberinto y El mundo mágico de los mayas. PDF.

domingo, 4 de septiembre de 2011

ESTE NO ES UN HUEVO, ES EL HUEVO

Este no es un huevo, es el huevo


Esta pintura representa el temor a lo nuevo y de como nos enclaustramos en un escudo para protegernos de lo desconocido, esto es interpretado por el cascaron. Mientras que por otro lado queremos afrontar nuestros temores, mantener nuestra esencia como ser humano, pero también ver las nuevas experiencias que una nueva vida nos puede proporcionar, de esto es de lo que nos hablan los colores, cada color con significado propio sobre vivencias que podemos tener. Los sucesos (colores), van desde el ser hacia afuera, que es el esfuerzo por mantenerse igual ante un nuevo entorno. Al menos eso es el significado que yo le doy.

Me relaciono con ella por todo lo que estoy viviendo en estos momentos. He dejado de ver a mi familia y a mis amigos de toda la vida, la casa donde crecí y la vida que me cree para poder venir a estudiar a la capital. Por un lado me siento como un niño indefenso, porque no hay nada que yo considere familiar, pero por otro estoy ansioso por ver que es lo que esta nueva vida tiene para darme; y con el titulo de la obra afirmo que al menos en mi mundo yo no soy un hombre del montón.

-M.

miércoles, 24 de agosto de 2011

ROMA CLASICA

El arte de la Roma clásica, como en todas las sociedades, se basa de su cultura, una sociedad violenta que tuvo mucha influencia de sus países conquistados. Es una expresión detallista que alude a sus gobernantes,  dioses y mitos, característica de la cual nunca pudieron salir.

El arte, como ya dijimos, se vio afectado por la conquista de naciones como Italia y Grecia; quienes influyeron en esta sociedad. La influencia mayor e irrefutable fue la del pais griego (todo esto sucediendo por el siglo III a.C. / II a.C). Cambiando así la vida romana tradicional que hasta estos momentos se había creado en esta sociedad.

El denominado, talento griego, introdujo en Roma habilidades, artes y lujos. La lengua latina comenzó a originar sus primeros pasos en la literatura, modelada directamente de la griega.

Desde Augusto y con todo su poder militar las estatuas a menudo representaban a los emperadores con uniforme militar presentados, a veces, con una corona de laurel, la que representa victoria. La derrota de los bárbaros se convierte en uno de los elementos mas importantes de su imagen, tanto en el arte como en la poesía. Ademas de esto presentan elementos como la divinidad y sus dioses.

La escultura la usaban a manera de retrato, que se podía encontrar literalmente en todos lados, ya que se llevaba en objetos decorados por esta técnica, hasta las monedas. Aparte de las estatuas ya mencionadas, usaban la escultura para darle relieve y contar historias tanto en sus ataúdes como en sus piezas arquitectónicas, normalmente estas narraciones hacían referencia a batallas, historias de sus dioses, glorias de los difuntos, entre otras cosas.

Su arquitectura por muchos podría se considerada una serie de verdaderas obras de arte que van desde basílicas hasta teatros. La principal característica de estas construcciones son el uso persistente de arcos, cúpulas y columnas. Elementos que podemos encontrar la mayor parte de sus estructuras.

La pintura empezó siendo una vil imitación a la griega y se torno a una técnica de tema prácticamente idéntico al de la escultura.

Este arte se empezó a desarrollar con un fin simplemente decorativo y de esto surgieron sus murales; los cuales pasaron a retratar hechos históricos -vidas, batallas y acontecimientos-, encuadres que hablaban de sus seres supremos y escenas sexuales. Cabe señalar que muchas veces se usaban mosaicos para obtener la imagen deseada. En Pompeya se han encontrado por otro lado, retratos hablados y carteles con función electoral -al rededor de 2,800-, en los que se muestran candidatos para tomar los distintos cargos municipales.

Relieve con representación de Augusto


  • Relieve del friso superior del pórtico que conducía al santuario de los emperadores, o Sebasteion, de Afrodistas, en la actual Turquía. En el se ve a Augusto con personificaciones de la tierra y el mar que simbolizan su poder sobre el mundo. Ca. 60 d. C. (Fotografía: M. Ali Dügenci, cortesía del profesor R. R. R. Smith.)

En conclusión. Creo que culturalmente y artísticamente esta sociedad estudió cierto terreno inexplorado; pero puedo afirmar que no hubieran llegado a donde llegaron sin las influencias de otras culturas como la griega. Su escultura y arquitectura se han vuelto ícono hoy en día, gracias a su estudio y a sus formas tan características. El periodo clásico de Roma fue un gran paso, algunos dirán que militar, otros que cultural, pero lo cierto es que ha sido una gran influencia hasta nuestros días.


Bibliografía:
Lane Fox, R. El mundo clásico. Crítica: Barcelona, España. 2007.

domingo, 21 de agosto de 2011

PROPUESTA DE ARTE




Definir la palabra arte como tal es muy complicado, al menos para mi. Ya que para mi el arte no debe de ser una simple expresión llana de lo que pensamos, también nos debe hacer sentir, recordar y vivir. El arte esta en todos lados, solo depende de que veas y como lo veas.

No soy fanático de la Coca Cola, pero creo que su botella es una obra de arte. Introducida en el año 1894 y con una larga evolución se ha vuelto un icono en nuestra sociedad.

Dicho esto y dejando fuera elementos que son obvios como su diseño y sus colores, sostengo que es arte porque es un símbolo. Un símbolo que se ha sostenido a lo largo del tiempo, que nos hace recordar momentos varios a lo largo de nuestra vida, ya que es algo que nos lo presentan en todos lugares; desde el cine hasta en las comidas familiares, pasando por los letreros de vivo bermellón en practicamante todas las tiendas, haciendo que nos apropiemos de esta imagen como parte de nuestra vida.

De esta manera se vuelve en un gesto artístico con completo significado, ya que basandonos en lo que dice Dorfles, la manera en que vemos y asimilamos este símbolo es un resultado de gestos pasados y estímulos vividos.